张三在撒哈拉的故事

react数组循环,基本都会设置一个唯一的key,表格的对象数组循环一般没什么问题,数据基本都会有一个id。那有种情况就比较坑了,出现在表单形式的页面结构中,对某个数组进行增删改操作,一般对于非对象数组而言,没有id,可能很多人会偷懒,循环的时候,直接设置数组的下标index作为key,当出现增删改时候,就会出现数据对不上或者重新渲染组件的问题等。解决方案有很多种,例如把字符串数组等重组对象数组,每个元素设置一个唯一id等。另外有个方式:推荐使用 shortid生成唯一key的数组,和数据数组一起使用,省去提交数据时再重组数组。... 查看详情

张三啊张三

有志者,事竟成,破釜沉舟,百二秦关终属楚。苦心人,天不负,三千越甲可吞吴。

天使艺术偕四位艺术家作品惊艳亮相深圳艺博会

11月23日至26日,由深圳市企业联合会和深圳市文化创意行业协会联合主办的深圳国际艺术博览会(以下简称深艺博)如约亮相深圳会展中心8号馆。

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张三啊张三

有志者,事竟成,破釜沉舟,百二秦关终属楚。苦心人,天不负,三千越甲可吞吴。

心里画 | 做个灵魂有香气的女子,不为别的,只为取悦自己

我相信有缺点的人性更真实可爱

一个女人“灵魂有香气”并不因为她没有缺点

而是,她有一个

或者几个独有而显著的优点

这些优点专属于她

无论她在岁月里蒙了多少灰尘

轻轻抖落

依旧是一个有意思的人


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张三发布对联

有志者,事竟成,百二秦关终属楚。苦心人,天不负,三千越甲可吞吴。

心里画 | 孤独的时候,想起了谁

哪种比较孤独:

是活在自己的世界里

谁也不爱

还是心里爱着一个人

却始终无法向爱靠近?


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安德斯·佐恩:以“裸体画”和“画水”闻名的画家

安德斯·伦纳德·佐恩

(Anders Leonard Zorn)

(1860年2月18日-1920年4月22日)

画家、雕塑家和蚀刻版画家,

他是瑞典最重要的艺术家之一,

获得了国际性的成功。


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心里画 | 不必谦虚,只管骄傲

骄傲虽然常常引来诋毁和抨击 但诋毁抨击别人的 多是那些自身没什么骄傲的人 一个人越是荒谬可鄙 就越是喜欢搬弄是非 所以对他们,我们不必在意

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花鸟画创作,应在“传神”上下功夫

张雄艺术网 http://www.zxart.cn发布时间:2018-10-22 来源:中国文化报  

原标题:花鸟画贵在传神


 桂菊山禽图(国画) 明 吕纪

桂菊山禽图(国画) 明 吕纪


国画中的花鸟画是画苑里的奇葩,古往今来,多少画家以娴熟的技法、凝练的笔墨塑造了各种栩栩如生的花鸟鱼虫形象,给人以新鲜愉悦之感。要画好一幅神形兼备、生机盎然的花鸟画,画家需要具备过硬的绘画功力,且用心经营,进行艺术提炼,从而使草虫形象得以生动再现,显现出诱人的艺术魅力。


造型画法悉心领会


临摹是学习技法的一个基础,同时也是一个重要的“课程”。临摹不可“照猫画虎”,而要静坐、默看、体会、理解,知其然而究其所以然再下笔。有人学齐白石画虾,只数其“笔道”多少,然后依样炮制,此法不足取。临摹前人作品,学者对原作造型、构图和设色等当仔细观察,揣测其构思和用意,草虫的特征、动态,以及何处点缀、如何上色、布局等都要认真琢磨、用心分析,做到胸有成竹,意在笔先。假如看一笔画一笔,易致画面形神涣散。再则,要反复临摹和背临,以期深刻理解和熟练把握。


花鸟画创作还需要留心生活、仔细观察,从中发现各类草虫之间的微小差别,多个角度地加以观察、分析、比对,研究其活动规律,以及色泽、翅纹等特征。人的感情要移入草虫中,在对草虫的酷爱之中求得对草虫入木三分的理解。这样所创作出来的花鸟画,既是技法的显示,也是情感的洋溢,同时又是草虫精神的写照,是人的物化和物的人化的最高境界。草虫最为生动的动态集中反映在四个部位,应着力加以刻画和艺术处理。现就这四部位画法作简要介绍。一是“头”。头和胸腹不可在一条直线上。一般是头高肚低,呈直角三角形。二是“翅”。常用干笔、淡墨轻擦,以表现硬、薄而透明的质感,而湿笔易显肥厚而没神采。三是“脚”。画脚最见功夫,前足和后腿不宜对称,要有前有后,有伸有曲。脚接触花叶处要虚松,勿实。四是“须”。这是草虫情绪的敏感地方,从其不同方向可看出情绪的变化。中锋行笔,酌情颤动,以表其质感与神气。


花卉鸟虫相衬生辉


画家的高妙之处就在于能描绘出不露人工雕琢痕迹的“自然之物”,将自己的审美意识、审美情趣与自然形象融为一体。画草虫要注意其形体结构和姿态动势,力戒像生物标本似的一般常态,要捕捉其运动着的最为生动的瞬间。对写生所得的素材加以概括和夸张,以突出特征,通过刻画神态来增强艺术感染力。


齐白石说过:“画花卉必须有虫鸟陪衬才更生动。”花卉中有鸟虫出现才能相衬生辉,撩人童心,画龙点睛。两者共存画面才不失生动,富有情趣。宋人李澄叟论草虫称:“丛花密叶之际,著一二飞虫,不唯空处不空,亦觉分外生动。”草虫在画面的位置安放,色彩搭配,动态变化,品种选择,皆大关系着整幅作品的成败。为此强调意在笔先,既要周密考虑通盘计划,又要顺应情理灵活多变。要注意花叶密集处不要出现鸟虫,否则不但不起眼反而把画面变繁杂。鸟虫一般点缀在画面留白较大处或空隙较大的花枝处。大花配小草虫较合适,而小花缀大蝶则欠妥。草虫以爬行状态出现为妙。至于草虫用色,以与背景色彩成对比色为上。


内容形式和谐统一


花鸟画为历代画家所钟爱,画家们也因此积累了丰富经验。我们可以从南齐谢赫之“六法”、元代饶自然之“十二忌”、明代顾凝远之《画引》、清代之《芥子园画谱》和现代的经典论文等中汲取涵养。生活乃艺术生命力之源泉,故须深入生活,细致地、全方位地、多侧面地观察生活。真善美的审美价值观好比是审视画作的试金石,但认识它却有个从浅到深的过程。作者要使作品思想性与艺术性相统一,进而去感染、启迪观众。


内容决定形式,构图服从立意。中国画通过构图、造型来表现笔墨的韵味,再加上设色等,营造出情景交融之意境。在构图中要经营好宾主、虚实、纵横、开合的关系,要安排得当,有骨有肉,画里画外相呼应。大画以树石为骨架,小画以枝干为骨架,画鸟要有飞有鸣,画花要有密有疏。


花鸟画不仅讲究形式美,而且要求表现物象的精神象征,遂不可机械地模仿原型,或单纯地追求“像”与“不像”。至于写意鸟,用笔讲求中锋为主,侧逆并用;行笔有挫有顿,有急有缓,以期有变化、有节奏感,同时注意墨晕变化,以求传神。用墨有浓有淡,有干有湿,以期有层次感和跳动感,还要有冷暖色的变化呼应。诚然,力求形神兼备,完美统一,才能实现真正的写意精神。


画好中国花鸟画,应以传神的艺术形象为核心,在“传神” 上下功夫是画家须高度重视的问题。当代绘画的繁盛和新时代的发展,为我们在传统绘画的沃野上发掘新的审美境界提供了良好的契机。赋予花鸟画以新的气息,这是当代花鸟画家的时代命题。







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在它们被“班克斯”之前,你需要来一场寻画之旅

张雄艺术网 http://www.zxart.cn发布时间:2018-10-11 来源:悦游  

原标题:也许哪天蒙娜丽莎就自焚了,谁知道呢




英国著名画家班克斯的名作“手持气球的女孩”(Girl With Balloon)在伦敦以超过100万英镑的价格拍卖成交后当场自毁。在社交媒体上,班克斯发布了画作被割碎的视频,并称几年前就在画框中装了秘密装置,为了“万一它有一天要被拍卖”。这是一篇世界名画追踪手册,在它们被“班克斯”之前,你需要尽早来一场博物馆寻画之旅。


《蒙娜丽莎》

列奥纳多·达·芬奇,意大利

法国卢浮宫




自1911年《蒙娜丽莎》卢浮宫被盗之后,许多收藏家声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》,数量达60幅之多。至今仍有传言称挂在卢浮宫的只是一件赝品而已。


《戴珍珠耳环的少女》

约翰内斯·维米尔,荷兰

荷兰海牙莫瑞泰斯皇家美术馆




1994年,时任莫瑞泰斯皇家美术馆首席修复师的约恩‧瓦杜姆教授对《戴珍珠耳环的少女》进行了最近一次修复,瓦杜姆使用了外科医生用的显微镜,在一个控温玻璃房里作业,任凭公众观摩。


《星月夜》

梵高,荷兰

纽约现代艺术博物馆




从1889年梵高将《星月夜》送给弟弟Theo之后,这幅画作经过了7次易手,最终在1941年被MoMA以交换的方式收藏至今。


《鸢尾花》

梵高,荷兰

美国加州保罗盖兹美术馆




1892年,梵高的朋友Tanguy以300法郎的价格将这幅画卖给了评论家奥克塔夫·米尔博,便开启了一连串的买与卖。1987年Getty Center用5390万美元购买了梵高的名画《鸢尾花》,目前估价约1亿美元。


《伊凡雷帝杀子》

伊里亚·叶菲莫维奇·列宾,俄国

俄罗斯特列季亚科夫画廊




2018年5月,醉酒男子闯入馆中,毁坏《伊凡雷帝杀子》画作。这已经不是《伊凡雷帝杀子》第一次被毁坏,1913年被精神异常者用刀损毁过一次,直接导致时任馆长自杀身亡。所幸列宾当时在世,耗费12年修复这一画作。随后,画廊为画作加装玻璃保护罩。


《拾穗者》

米勒,法国

巴黎奥塞美术馆




2012年《拾穗者》曾在上海的中华艺术宫中进行展出,因为身价已超过1亿欧元,远超航空公司的保险限额,只能独享一架专机从巴黎运至上海。且到达上海后,还不能马上开箱,必须经过24小时的摆放,等逐渐适应了上海的气候之后,才能露出真容。


《红磨坊的舞会》

奥古斯特·雷诺阿,法国

巴黎奥塞美术馆




很多人把这幅画叫《红磨坊的舞会》,其实是错误的,此画于1876年创作,而红磨坊却建于1889年。由于创作地点是在煎饼磨坊,因此更确切的名字为《煎饼磨坊的舞会》。


《夜巡》

伦勃朗,荷兰

荷兰阿姆斯特丹国家博物馆




此画所描绘的其实是白天队长与副队长(画面中间两位人物)的景象,因光线昏暗而被误为是描绘夜间。美术老师Stefan Kasper作为荷兰国立博物馆改建后第一千万名参观者,获得了在夜巡厅过夜这个史无前例的特权。他在名画旁边支起的床上享用了美食和葡萄酒,晚餐还是由星级厨师Joris Bijdendijk为他准备的。夜间11点之后,则完全是专属于他与名画的时间。


《大宫女》

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔,法国

法国卢浮宫




十九世纪初,法国的上层贵族阶级对东方土耳其的宫廷生活产生了浓厚的兴趣,这一幅《大宫女》正是安格尔为了满足那些达官贵族的视觉需要而进行创作的,画中宫女的背部“多了三块脊骨”,形成一种怪异的柔美之感。


《泉》

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔,法国

巴黎奥塞美术馆




古典主义大师安格尔被称为“拜倒在女人石榴裙下的画家”,《泉》创作于1820年-1856年,安格尔耗时36年并在76岁那年完成这部作品,历经数十年漂泊后,画家将这幅名作改了又改,少女抚弄秀发的姿态也变成了倾倒水瓶,使整幅画作洋溢出象征主义的美感。


《日出·印象》

莫奈,法国

法国马蒙坦莫奈美术馆




当1874年莫奈和一群青年画家举办展览时,这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。有的评论家挖苦说:“毛坯的糊墙纸也比这海景完整!”更有人按这幅画的标题,讽喻以莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”,于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。


《无名女郎》

伊万·尼古拉耶维奇·克拉姆斯柯依,俄国

俄罗斯特列季亚科夫画廊




1872 年,俄国富商特列季亚科夫在寓所旁盖了第一批展厅。1881 年,他的私人画廊对外开放,免费供人参观。这里的收藏都是经过严格选择的,不是好作品,他坚决不买。画廊的名声渐渐大起来,一些画家以自己的作品能够进入这座画廊为极大的荣耀。


《哭泣的女人》

巴勃罗·鲁伊斯·毕加索,西班牙

英国伦敦泰特美术馆




1969年小偷从英国超现实主义画家Roland Penrose的儿子的公寓中,把这幅画偷走。找回后,Roland和他儿子才意识到这幅画作有多抢手,因此就把画长期抵押给了泰特美术馆,来确保画作安全。并在Roland去世后,直接将画捐赠给美术馆以冲抵遗产税。


《亚威农少女》

巴勃罗·鲁伊斯·毕加索,西班牙

纽约现代艺术博物馆




《亚威农少女》创作于1907年,是第一张被认为有立体主义倾向的作品,毕加索曾将其形容为他的“第一张驱邪画”。在诞生后的最初几年里,《亚威农的少女》被世人认为是一件无法理解、羞耻的作品,一直藏匿在毕加索个人的收藏里,几乎未曾公诸于世,直到1916年才首次展出,1937年纽约现代美术馆以24000美元的价格得到了该画。


《两位塔希提妇女》

保罗·高更,法国

纽约大都会艺术博物馆




美国纽约大都会博物馆2018年1月宣布将修改几十年来参观者“按意愿付款”的门票政策,从今年3月1日起,纽约州以外的参观者将不再享受“按意愿付款”的门票政策,博物馆将收取正常的门票费用,成人票价为25美元,老年人票价为17美元。


《撑阳伞的女人》

莫奈,法国

美国华盛顿国家美术馆




时任财政部长的银行家与收藏家安德鲁.梅隆推动了华盛顿国家美术馆的建立,并邀请了时任美国总统的罗斯福在落成典礼上致辞。主要展示20世纪艺术的东馆,则由华人设计大师贝聿铭操刀设计。


《海伦娜·弗尔曼肖像》

彼得·保罗·鲁本斯,德国

伦敦国立美术馆




画中这位肖像模特是画家鲁本斯的第二任妻子,鲁本斯53岁时,于公元1630年迎娶了这位美丽的女人,当时她16岁!这幅画在藏于伦敦国家美术馆中,伦敦国家美术馆于2015年开始禁止游客使用自拍杆。


《雅典学院》

拉斐尔·桑西,意大利

意大利梵蒂冈博物馆




与《雅典学院》一起同时绘制于梵蒂冈教皇宫内第一室的壁画还有另外三幅。它们分别为《神学》《诗学》《哲学》和《法学》四幅,当初这幅画并不叫“雅典学院”,而叫《哲学》, “雅典学院”只是它的副标题。


《西斯廷圣母》

拉斐尔·桑西,意大利

德国德累斯顿茨温格博物馆




最初这幅画被放在教堂的神龛上,至1574年,一直保存在西斯廷教堂里,由此得名“西斯廷圣母”。


《不相称的婚姻》

V·V·普基廖夫,俄国

俄罗斯特列季亚科夫画廊




这幅画描绘了一位青春少女与一老者结合的悲剧。据说这幅画来自画家的亲身经历,画中的老新郎确有其人,而画中的年轻新娘,则是普基寥夫的未婚妻。


《马拉之死》

杰克·路易斯·达维特,法国

比利时皇家美术馆




比利时皇家美术馆是一座具有古典风格的建筑。十八世纪末法国大革命时期,拿破伦率领的法国军队占领了比利时,攻入布鲁塞尔,以此为基地掳掠了西欧大量珍贵艺术品并运到法国的卢浮宫,不久,卢浮宫即因战利品太多而拥挤不堪。


《呐喊》

爱德华·蒙克,挪威

奥斯陆蒙克博物馆(蛋彩画纸本作品)




2004年,他的杰作《呐喊》(The Scream) 在奥斯陆蒙克博物馆被盗。而事实上,蒙克作品一直为窃贼所觊觎。再往前10年,蒙克另一版本的《呐喊》在奥斯陆国家美术馆中失窃。值得庆幸的是,画作均完整被寻回。


《维纳斯的诞生》

桑德罗·波提切利,意大利

意大利佛罗伦萨乌斐齐美术馆




波提切利的绘画被认为是典型的“欧洲艺术”,以至于被印在欧元的硬币上。意大利欧元€ 0.10的硬币背面图案便是波提切利所绘的维纳斯的诞生。

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中国画40年:承续、变革、开新

张雄艺术网 http://www.zxart.cn发布时间:2018-10-25 来源:人民网 作者:梁 江  

原标题:(笔墨流金四十年③)中国画40年:承续、变革、开新



春雪

吴冠中



万语千言

郭全忠


回眸40年,改革开放营造了开放的环境和良好氛围,给予中国美术以前所未见的发展机遇。当代画坛繁花满目、多元共生态势,是40年传承开拓、改革创新的结果。尤其让人欣喜的是新人辈出,年轻以及更年轻一代人的艺术潜能与探索精神得以充分展现。承续、变革、开新,这是中国画40年行程的三大主题词。


承 续


1978年底,中共十一届三中全会召开以后,老一辈画家焕发活力重登征程,刘海粟、李苦禅、王雪涛、陆俨少、关山月、黎雄才、亚明、宋文治、魏紫熙、赖少其等人在新作中均有新的开拓,更有画家登临艺术新高峰。重整画家队伍,增设创作机构,是这一时期中国画界的一个重要现象。几年之中,各地相继建立专业画院。北京成立中国画研究院,广东重设广东画院。江苏除原有的省画院,南京、扬州、苏州、无锡、南通、镇江、常州等城市都建起画院机构。全国各地与中国画相关的画会或研究会也很多。


1985年《江苏画刊》刊登《当代中国画之我见》一文,提出中国画“穷途末路”的惊人之论。虽赞同者寥寥,却把“中国画如何往前走”的严峻问题凸显在美术界面前。这场影响颇广的争论也是上世纪80年代中国画坛的一个转折点。85新潮美术的迷惘和躁动之后,是上世纪90年代市场经济的兴起和社会转型。移植和参照西方现代艺术的文化反叛不再时尚,画坛进入贴近现实体验和寻找文化身份的理性阶段。回归传统,走近民间,寻找“中国元素”成为新的趋势。这样,便有了由美术史论界担当主力,对20世纪传统派巨匠吴昌硕、齐白石、黄宾虹等人的“重新发现”,还有对于文人画传统的再评价。承续传统文化精神,成为一时主流。体现在创作上,便是画家们对中国文化传统的认知普遍增强,中国画凸显文化自信。


1989年第七届全国美展,陕西画家邢庆仁《玫瑰色回忆》和张明堂、赵益超《晓色初动》两件作品同获中国画金奖。《玫瑰色回忆》是人物画,一批青年奔赴延安参加革命,画面不描写情节,不是常见的叙事题材画法,却着意渲染一种缥缈迷蒙的情调。《晓色初动》的画面可能是一所陕北高原小学,但这不重要,重点在于这是一件细碎点皴、满纸朦胧的山水画,运用了不同常规的画法。作者都是新面孔,画法明显带入新气息。这一类作品获奖,体现出中国画一种更具容纳性、更鼓励创新的发展趋向。在此后每五年一届的全国美展中,更能明显看到中国画获奖作品的多种品类、风格和个性。不论人物、山水或花鸟,也不论水墨写意还是工笔设色,画家们同样重视撷取传统或民族民间艺术中的有益元素。在题材选择、意境内蕴、语言手法的几个角度,都体现出中国画在承续,也在变革。画家们力求传达传统文化精神,以新的表达方式去适应当代观众的欣赏诉求。


尊尚传统,承续文脉,体现出应有的文化自信。不过,传承并非复古,也不等于单纯的守成。所谓文化的发展,需在延续中推进,由继承而创造,通过变革、创新而为后人积累文化财富。显然,由变革进而开新,这是当代中国画家义不容辞的使命。


变 革


艺术上的变革,首先体现在观念与方法的更新和突破。改革开放以来,以王朝闻为代表的老一辈美术史论家,一边挑着研究重担一边培养新生力量。美术研究队伍随之迅速扩大,整饬史实史料,探讨艺术规律,介入创作论评。对中国画传统,对前辈大家更深入、更系统的研究,则让中国画的向前发展,获取坚实的理论支撑。也在对唐宋绘画,对黄公望、董其昌、石涛、吴昌硕及对文人画传统的重新省视研究中,美术家对中国画的深厚传统有更清晣的认知。《齐白石全集》出版后获得广泛关注,一批专家历时七八年编撰的十卷《黄宾虹全集》又获国家图书奖。深入研究黄宾虹,撷出其由传统内部发掘中国画继续发展的原动力,以承载传统精神的深厚笔墨功力而成一代大家的原因。这样的学术成果,对中国画的正本清源和如何发展作了正面回答,有着明显的现实意义。由于这样的学术铺垫,维护传统文化价值,传承人文精神的潮流渐盛。“新文人画”创作群体的崛起,是对回归传统的一种探索。史论界对于中国色彩传统和日本岩彩的研究,也对工笔重彩领域的大面积繁荣起到很大推动作用。


面对开放的世界,中国画视野大大扩宽。一方面,接纳新知,敞开胸怀承受外来艺术思潮撞击。另一方面,通过承继传统、借鉴移植和汲纳新法而推动艺术革新。史论界多称之为中国画“现代性”转型的观念更新和实践探索,都是中国画坛几代人,在多维度的空间上展开的。李可染以“苦学派”自居和对传统、素描及基本功的论述,吴冠中以笔墨形式突破为重点的艺术创新,周韶华重振汉唐雄风的呼吁和创作试验,周思聪一系列“以个人之心直面人类”的水墨创作,都为中国画创作实践的多元化探索提供了示范和启迪,在其时中囯画坛上产生深广影响。


稍梳理一下,改革开放以来的中国画坛出现过不少让人记忆犹新的热词:“转型”“新文人”“新写实”“新写意”“新工笔”“都市风”“实验水墨”……这些先后出现的名词或是一种旗号,或是一股思潮,或是一拨群体,都成为一时热点。众声喧哗的背后,有其时画坛对于风格、题材、观念、手法的探索,还有艺术取向与价值标准的论争。由思想开放而求变革,由开新而发展,中国画走在往现代转型的道路上,越来越明确地体现出文化自觉。


开 新


立足于充分的文化自信和文化自觉,才会有坚实的文化自强。取法民间艺术,回溯文人传统,试验材料肌理,探究现代水墨,中国画的开新是以现代人的精神诉求为起点,向多方位艺术空间展开的探索之旅。改革开放40年来,人们可看到中国画的创作观念刷新,题材领域扩大,语言形式多样,个性风格成为画家们的自觉追求。


这是一幅多姿多彩的图景。由林风眠开辟的融汇中西艺术的方案,由于更多人参与试验获得了更大拓展。将西方块面结构和中国画点线韵律融为一体的吴冠中备受关注。接踵而来的,是将色彩表现融入水墨语言,对形式美造型手段的探索。大胆一些的拓展,是引入西方夸张变形以至抽象派语言。另一部分画家为了表达现代都市的精神心像,放手与传统拉开更远距离,将中国水墨元素和西方当代艺术观念嫁接在一起。由于游离了中国画的常见规范,某一类表现性较强的作品或以新的名义参与全国美展“综合材料”或“北京国际艺术双年展”之类大展评选。改革开放年代的艺术,交叉、融合、重组和嬗变本就是发展的常态。应当说,不论借用中国水墨还是工笔重彩,题材是人生、景物或都市,也不论形式语言偏向传统、中西融合或全新实验,只要是拓宽了艺术表现的空间,适应了当代观众不断增长的精神需求,这样的艺术试验和创新都值得鼓励。


开放的社会氛围才会有创作上的繁茂。艺术创作活跃的若干地区,逐渐形成了群体和地域特色。一些底蕴丰厚且有人才优势的地区,或有意识地强化地域特色和培育地方画派。新海派、新浙派、新金陵画派、黄土画派、新学院派、漓江画派等等,一时名目难以尽数,多样化生态进一步夯实。而在现实主义方向的创作上,更接连产生了一批批有广泛影响的作品,艺术水准到达新高度。如周思聪《矿工图》,郭全忠《万语千言》,周韶华《大河寻源》组画,杨力舟、王迎春《黄河组画》,吴冠中《春雪》,赵奇《重逢》,谢振瓯《大唐伎乐图》等,都是有代表性的力作。画坛后起人才兴盛,为改革开放时代一大特色。一批中青年画家,如贾又福、王晋元、张步、林丰俗、徐希、马振声、赵华胜、冯远等崛起,何家英、唐勇力、田黎明、袁武以及更新一批青年才俊又接续上场,呈现出充沛活力和艺术创新锐气。


值得一提的是,在主题性美术创作中,周思聪的中国画《人民和总理》、沈尧伊的连环画《地球的红飘带》、李伯安的水墨巨制《走出巴颜喀拉》、冯远《世纪智者》、赵奇《京张铁路·詹天佑和修筑它的人们》等作品,都能在宏大叙事主题下展现出鲜明个性特征,承载着新的时代气息。近10余年来,与民族、国家、历史、社会现实相关的主题性美术创作大工程接连上马,规模大,投入大,社会影响也大。2009年9月,中国美术馆的“国家重大历史题材美术创作工程作品展”,106件作品中有中国画作品40件。唐勇力《新中国的诞生》、袁武《东北抗联》等,是这项工程中的力作。2016年,历时5年的中华文明历史题材美术创作工程完成,146件作品中近四成是中国画巨幅作品。其中有宋雨桂《黄河雄姿》、林海钟《鉴真东渡》、任惠中《文景之治》,唐勇力《盛唐书画艺术》、林蓝《<诗经>——长歌清唱》等。这批新作体现出美术家更注重发掘中华文化资源,承传中国绘画传统,表现题材和语言手法也更趋多样化。画家们再不像前几年那样简单化借用传统的符号,而是尽力让民族艺术传统与当代精神有机整合融通。中国画抒情性、写意性的特征被合乎情理地融入了历史题材人物画创作语言中。


中国画长枝老干,大叶硕果。改革开放给予中国画新的发展机遇,让艺术家充满创造活力。40年来的中国画,呈现出各种题材不同品类齐头并进的繁茂形态,在艺术语言和表达方式上有着前所未见的丰富性。


(作者为广州美院中国近现代美术研究所所长、中国美协理论委员会副主任)




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